Essays アート、アーティスト、そしてブルガリ オクト フィニッシモ リー・ウファン限定モデルが、私がこれまで見てきたなかでも最高のコラボレーションであるかもしれない理由について

　おなじみのフレームワークは、直径40mmで厚さ5.5mmのチタン製オクト フィニッシモのケースにインデックスはなく、グラデーションのミラーダイヤルとブラックのインデックスのみ。ケース内部には、時・分・秒を駆動するマイクロローターのBVL 138 ムーブメントが搭載されており、パワーリザーブは60時間（これほど小さなムーブメントにしてはかなりの量）だ。

　そして、手作業でヤスリがけされ、ひとつとして同じものはないというケース。もしあなたが40mmのオクト フィニッシモを着けられるなら、この時計はあなたにとってよいものとなるだろう。もしそうでないならあなたには合わない。将来的には、より多くのオプションが登場するのを期待したい。このことは、よく知られたフレームワークを持つ本作の実機レビューを締めくくるのに十分なほど自明だ。しかし、私が語りたいのはそこではない。

　感情に関するこの話は、多くの人にとってあまりに甘ったるく聞こえるかもしれない。趣味が広がり、価格が上昇するにつれて、買い手が価値を維持できるかどうかや投資に重きを置くようになったのは当然だ。人々がお金を無駄にしたくはないと思っているのも理解できる。私はデザイン、品質、仕上げ、製品の仕様について議論するコメントをいつも目にしているが、製品がもたらす感情についての議論はほとんどない。もしあなたが、これを書いている私ほど感情的になることに前向きでなくても、それは大丈夫だ。しかし感情こそが、時計（あるいはどんなものでも）への熱意の中核を成していることを覚えておくことは重要である。

　しかし、感情的すぎることはよいことばかりではない。私はこのモデルに関するほかの記事を読んでいないが、その多くはブルガリのプロダクト クリエーション エグゼクティブ ディレクターであるファブリツィオ・ボナマッサ・スティリアーニ（Fabrizio Buonamassa Stigliani）氏が、アーティストとの協業の難しさについて、私やさまざまな人々とインタビューで共有した話に焦点を当てていたのではないかと想像する。だが、私はもう少し深く掘り下げたい。

　私はアートが好きで、アーティストとの会話はとてもおもしろいと思っているが、もしあなたがこれまでにアーティストステートメントを読んだことがあるなら、彼らがどれほど“アイデアピープル”であるかを理解できるはずだ。力強いアイデアは力強いアートを生み出すが、アーティストという存在は、実用的で使いやすいオブジェをつくることを役割とするインダストリアルデザイナーの視点とは異なる。アーティストのオブジェは美しく、魅力的で、興味深いものでありうる。だがボナマッサ・スティリアーニ氏が例として挙げたように、オクト フィニッシモを紙でデザインすることを提案するアーティストは実用性や耐久性については考えず、アイデアがもたらすインパクトだけを考えている。かつて私の古いアート写真の教授が言っていたように、もし何かのアイデアだけで十分だと感じるのなら、それをベッドの下の箱にしまって満足していればよい。さもなくば何かを創り、それを世に送り出すことだ。

　だが、それが単なるアイデアではなく、身につけられるオブジェとして正しく表現されたときのインパクトがある。オリジナルのオクト フィニッシモ “スケッチ”限定モデルはボナマッサ・スティリアーニ氏自身との一種のセルフコラボレーションといえるが、それはやりすぎることなく、創造性の絶妙なバランスを保っていた。本作が登場するまで、それは私の最も好きな限定モデルだった。安藤忠雄氏とのコラボレーションモデルは、コレクターからの成功を収め、おそらくブランドが最も愛するモデルだろう。一方の妹島和世氏とのコラボレーションモデルは、おそらくより意見が分かれるものだったが、その議論があったことでより大きなインパクトを残した。それでもコレクターは、その意外性と創造性に魅了された。例えばアウロ・モンタナーリ（Auro Montanari）氏は後者のひとつを所有している。このふたつのあいだにある興味深い点は、ブルガリが絶えず日本のアートという源泉を利用していることだ。

　日本で最も控えめで、洗練され、そしてどこか憂鬱さを帯びた現代アーティストたちの作品には、魅了的な美しさがある。草間彌生が（例えばルイ・ヴィトンとのコラボレーションで）用いるような、明るくカラフルな水玉模様とはかけ離れているが、私はオクト フィニッシモがそのような鮮やかさには向かないと考えている。実際、私は先ほど挙げた、そして杉本博司や高松次郎といった私の好きな日本人アーティストを形容する言葉こそが、この時計に最もふさわしいと考えている。アメリカ生まれのジョージ・ナカシマでさえ、伝統的な日本の視点を彼の作品に取り入れた。彼の家具は、邪魔にならないのに美しく、自然な形を家のなかに取り込むことを熟慮して作られている。かつて私は、“自分の存在は周囲の人々にとって不便なものであり、人生における私の仕事はその事実を最小限にすることである”という私の中西部の感性が、日本の文化的アイデンティティとほとんど同じであると言われたことがある。おそらく、だからこそ私は日本の内省的でメランコリックなアーティストたちに、ある種の親近感を覚えるのかもしれない。

　私がデザイナーと話す際によく使うふたつのアイデアがある。まず第一に、モノには機能するものとしないものがあるということだ。よいものは、機能性、美しさ、実用性など、設計者が意図した目的を全体的な形で達成する。その成功や失敗は、自ずと明らかになるものだ。だからこそ、ちょっとしたバランスの問題で全体が台無しになるような、会議でデザインが決定された時計はすぐにわかる。というか、しばしばそう感じられるのだ。

　そこにはたいていノイズが多すぎて、確固たる声がない。公平を期すために言っておくと、私はデザイナーではない。フィードバックを提供するのは喜んでやることだが、写真家として私はゼロから何かを創り出す必要は決してなかった。だからこそ何が機能して何が機能しないかを、私は常に語ることができるのだろう。それはコメンテーターであることの利点だとでも言おうか。しかしそれがうまく機能しているとき、そのモノに関する議論は写真の一部でしかないために、ある意味で余分なものとなる。

　ブルガリのオクト フィニッシモ リー・ウファン限定モデルは、モノとして機能している。チタン製ブレスレットの荒削りな表面と、ダイヤルのなめらかで反射するグラデーションのあいだの相互作用は、たとえ孤立した状態で見たとしても調和がとれている。それはまるで上部を切り取られ、ピカピカに磨かれた隕石のようだ。しかしその背後にあるアーティストを理解しなければ、本質を見失うことになる。

　リー・ウファン氏は韓国生まれだが、日本の芸術的・文化的景観に対する彼の影響は計り知れない。現代においては、彼は前述の安藤忠雄氏と協業し、彼の名を冠したふたつの美術館（ひとつはフランス、もうひとつは日本）を手がけている。しかし、それに先立つ彼の作品は戦後の日本のアートスタイルである、もの派の基礎を築いた。これは工業と自然の風景の相互作用、相互依存性、そして衝突を探求するものだ。衝突というのは少し強すぎる言葉かもしれない。なぜなら彼の作品は思慮深く、控えめで、美しいものだからである。しかし、それでも鋭いものがあるのだ。

　彼の1968年の作品 “関係項”や、直島の彼の美術館の敷地の風景を見れば、自然と産業の荒々しい表面が相互作用しているのがわかるだろう。リッソン・ギャラリー（Lisson Gallery）のウェブサイトで、2013年の“関係項−休息”を見ることもおすすめする。研磨されたスティールとガラスの上に置かれた石が池のように自らを映し出しているが、それは池を失い、これほど洗練された人工物で置き換えたときに我々が何を失うのかを問いかけている。しかし、多くの芸術と同じく、私の人生や、岩を置く場所のないニューヨークのアパートでの生活にはまったくもって非実用的なものだ。

　ふたつ目のアイデアは、私がロラン・バルトの『明るい部屋』から借用して頻繁に使うものだ。それはストゥディウム（知的関心）とプンクトゥム（心を刺す何か）である。写真に関する論文として、ストゥディウムとは基本的に、写真のフレーム内にある技術的に正しいもの（露出、アングル、選択されたレンズ）すべてを指す。一方プンクトゥムは、あなたを引き込む感情、瞬間、あるいは不完全さだ。プンクトゥムは、あなたを“傷つける”ものなのだ。“傷つける”とは、もの派における、私が人生で感じている二項対立と同じものだ。私はアイデンティティと育ちの中心であるウィスコンシンの実家のような自然と美しさのある場所に引かれる一方で、仕事のためにニューヨークの工業的で賑やかな風景に引き寄せられる。私がきわめておもしろいと感じるのは、この産業と自然の押し引きだ。そして、私が好きな作品の多くがノスタルジーを感じさせるのとは違い、リー・ウファン氏は彼の声をもっと鋭く表現しているのだ。

　オクト フィニッシモは、コラボレーションの完璧なキャンバスだ。だが、私はこれまでのどのコラボモデルからも、これほどまでに“傷つけられた”とは感じていない。たしかに妹島氏との時計は光と、安藤忠雄氏とのコラボレーションはテクスチャーと戯れている。これはリー・ウファン作品と響き合う方法で、ふたつを組み合わせている。もの派の中核にあったのは“つくらない”という考えだ。テクノロジーが新たなものをつくる必要をなくし、代わりにすでにつくられたものを再解釈していたからだ。そう考えると、ボナマッサ・スティリアーニ氏がオリジナルのオクト フィニッシモに取り組み、三角のヤスリを使ってケースを削り、この隕石のようなデザインを生み出したことはいっそう適切だ。彼が作業するにつれて机の上に積もっていくチタンの削りくずを見て、彼のチームがどう思ったかは想像もつかないが、その結果は実に見事である。フレームワークはストゥディウムだが、そこでつくられたものが心を傷つけるのだ。

　ボナマッサ・スティリアーニ氏は、単に優れた芸術の解釈者であるだけでなく、彼自身も素晴らしい写真家だ。彼のインスタグラムを見れば、それがはっきりとわかる。しかし、キャリアのすべてを（主に人物や風景の）写真家として過ごし、批評的な目で写真を見ている私にとって、彼の評価できる点は複雑な環境をその核心へと凝縮し、カオスのなかに静けさを見つけ出す能力だ。彼はリー・ウファン氏とのコラボレーションを通じて、約320万円の身につけられる芸術作品を創り出すことで、これを成し遂げた。

　ケースは建築的であり続けている。安藤氏のキャンバスとして機能させたのと同じ要素がここにもあるが、より自然なテクスチャーを生み出すために多くの手作業が加えられている。光のなかで変化し、組み込みのグラデーションから影のなかでソリッドなブラックになるダイヤルは、リー・ウファン氏の彫刻作品に見られる暗い水面と同じ感覚を呼び起こすが、杉本博司の“海景（かいたく）”のグラデーションも連想させる。

　それは、ウィスコンシン州にある実家の、水面を渡る暖かい空気がミシガン湖の冷たい水面を覆い、風景を霧のグラデーションで包み込む眺めを思い出させる。それは決して憂鬱なものではなく、むしろ心地よいものだ。ノイズを排除し、感覚を集中させてくれる。本作は、ダイヤルがキャンバスでブレスレットがそれを支えるという、ほとんどの時計に対する期待を裏切り、何か別のものへと変えているのだ。

　時計はあまり買わない。あれこれ考えたり、手に入れたいと願ったり、優柔不断になったりするのが好きなのだ。私が何かを心から切望するとき、それはその感情や、それに関わる人々、そして、それをおもしろくしている“なぜ”という理由があるからだ。だからこそ、本作は私がコレクションに加えたいと思うもののひとつなのである。このモノ自体もうまく機能しているが、それを素晴らしいものにしているのは、そのほかのすべてなのだ。

　詳しくはブルガリの公式サイトをご覧ください。